Diego Lerer de Micropsias apuntó: “La película es igual de episódica que las otras de Sorrentino (o aún más) y ése es su punto más discutible o complicado a la hora de verla como un todo. Jep y compañía (un “quién es quién” de la actuación italiana post-40 trabaja en el filme) van y vienen por la ciudad, visitan monjas devotas, curas cocineros, condes que se alquilan por una noche, strippers melancólicas, artistas conceptuales, actores, escritores, cirujanos estéticos y en cada esquina parecen encontrar un coro de música sacra. Todo vale en La grande bellezza: la paleta de colores estalla en todos los brillantes posibles, y de una hermosa composición de música antigua pasamos a “Pa-panamericano”, casi sin respiro. Y sí, algunos episodios funcionan mejor que otros…” El texto completo aquí.

Ernesto Pérez de Ansa Latina dijo: “La grande belleza es la quinta aparición en Cannes del realizador italiano Paolo Sorrentino (…), donde recibió el premio del jurado en 2008 por Il divo y el ecuménico en 2011 por This Must Be the Place.  Pero La grande belleza, con la embrujadora belleza de Roma captada por la cámara de Luca Bigazzi, sus diálogos inteligentes e irónicos y la justa interpretación de Toni Servillo, constituyen el vehículo que más cerca lo dejará de la Palma de Oro.” La crítica íntegra acá.

Diego Batlle de Otros Cines afirmó: “Difícilmente lean una crítica “tibia” como esta del nuevo film del director de Il divo y This Must Be the Place. Es que las reacciones que generó van de obra maestra a una vergüenza, casi sin escalas intermedias. No creo que sea ninguna de esas dos cosas, pero el cine de este ambicioso (pretencioso) director y pseudo filósofo me irrita bastante.” La reseña entera aquí.

Mary Carmen Rodríguez de Las Horas Pérdidas argumentó: “Algunos han dicho que La grande bellezza es la Holy Motors de esta edición porque no ha dejado indiferente al espectador, hay quien dice que es lo mejor que se ha visto en lo que llevamos de edición, porque está excelentemente rodada, contiene un guión inteligente y Toni Servillo está espectacular, por ejemplo, Luis Martínez de El Mundo dice que es una obra maestra, y otros no han entrado en su juego y la consideran bastante irregular.” La nota completa acá.

Jon Apaolaza de Escribiendo Cine afirmó: “Más de medio siglo después de que el autor de Amarcord inmortalizara la vida nocturna en la capital italiana, muchas cosas han cambiado en ella, para peor, y sus contradicciones son mayores que nunca. Tras el traspie de Este es mi lugar, el realizador italiano reencuentra su buen pulso en una cinta que mejoraría mucho con cierta contención en el metraje, en el que se combinan brillantes momentos con otros totalmente prescindibles.” El texto íntegro aquí.

Las madres de Ginger y Rosa dieron a luz en camas adjuntas mientras la guerra ocurría afuera de aquel hospital londinense. Las secuelas de la guerra habían marcado drásticamente a las familias de las féminas: la de Rosa, fracturada por la ausencia del padre y la de Ginger, deteriorada por el radicalismo ideológico de Roland, su padre. Las niñas crecieron juntas hasta la adolescencia, momento en el que comenzaron a padecer paralela pero individualmente una ardua confrontación con el mundo real.

La sexualidad, la guerra, el amor, la identidad y otras ideas comenzaron a presentarse en forma de decisiones para Ginger y Rosa: besar a un chico en el callejón, escuchar noticias sobre la amenaza nuclear, buscar el amor ideal, participar en movimientos activistas, aprender a maquillarse, cocinar y buscar al hombre perfecto, cumplir las fantasías de los padres… o no hacerlo. Parece que la línea delgada entre escoger una u otra opción está determinada a partir de preferencias y experiencias personales.

A pesar de que las adolescentes pasaban la mayor parte del tiempo juntas, en el camino hacia la vida adulta su rumbo se bifurcó en razón de sus carencias. Ginger y Rosa caminaron paralelamente por senderos diferentes. Una comenzó a idealizar el rol de la mujer, el amor ideal y los elementos necesarios para mantener a un hombre en casa. La otra decidió radicalizar su pensamiento, hacer ‘algo’ para detener la amenaza nuclear y buscar respuestas en la literatura. Parece que ambas, en el mismo mundo y unidas por un amor casi filial, comenzaron a distanciarse para convertirse en formas similares de confusión.

El mundo de posguerra se polarizó en torno a la confrontación de las dos nuevas potencias. En medio quedaron el resto de los países participantes, sumergidos en un ambiente de ansiedad, miedo y paranoia provocado por la posibilidad de una guerra nuclear. A través de la historia de dos adolescentes, Sally Potter critica las repercusiones de la guerra –inestabilidad, fractura social y miedo colectivo– y las representa en la vulnerabilidad de dos adolescentes cuyas ideas están limitadas, en esta etapa de la vida, por el entorno y las consecuencias de su pasado inmediato.

La directora propone un paralelismo entre la fragilidad y confusión de una par de adolescentes y la vida de cualquier individuo cuando adolece el peso de la realidad. En las terribles condiciones de incivilidad, muerte y destrucción que acarrea una guerra, ¿acaso no seríamos tan vulnerables y falibles como un adolescente cuando se apropia de una idea para explicar lo inexplicable?

Roland es el padre de Ginger que se niega a que lo llamen ‘padre’. Su figura es el claro ejemplo de la radicalización de las ideas. Como activista, profesor y literato revolucionario, Roland es impecable en su actuar.  Sin embargo, la sujeción de este hombre a las ideas no le permite –convenientemente– ocuparse del mundo real en el que ha construido una familia. Roland ha decidido adoptar y abusar de los alcances de sus convicciones políticas bajo el principio: tener ideas y morir por ellas.

Al igual que Roland, las adolescentes buscaron una forma de aferrarse a sus convicciones y terminaron aprendiendo una ruda lección de la vida: por encima de la realidad no pasa nadie. El propio Bertrand Russell –filósofo inglés que incluso es mencionado en el filme– otorgaba falibilidad al campo ideológico: “Nunca moriría por mis ideas porque puede ser que esté equivocado.”

En Ginger y Rosa Sally Potter expone con inteligencia y sutileza la vulnerabilidad del hombre ante sus propios actos –los alcances infinitos de una guerra mundial– y la falibilidad del mundo de las ideas a través de una historia controvertida que, además, es acertada en su construcción histórica y atractiva en el ámbito narrativo.

Por Alejandra Arteaga (@adelesnails)

La película es una colección de visiones diferentes que tienen como eje central a la ciudad de La Habana. Siete cortos, siete días, siete directores que se dieron a la tarea de contar una historia y mostrar diferentes facetas de la ciudad. Entre los colaboradores de este proyecto se encuentran Benicio Del Toro (en su debut como director), Pablo Trapero (quien estuvo presente en la presentación de la cinta en nuestro país), Julio Medem, Elia Suleiman, Gaspar Noé, Juan Carlos Tabío y Laurent Cantet.

Este experimento recuerda a otras cintas de antología centradas en ciudades específicas como Paris je t’aime (2006) y Tokyo (2008). La tarea de mostrar el carácter de la ciudad en cuestión recae sobre directores internacionales que insertan historias dentro del marco de la misma, en este caso La Habana, para dar una instantánea de la vida cotidiana.

La calidad de todos los cortos por lo general es buena, pero destacan algunos que logran con mayor éxito mostrar esa cotidianidad en Cuba. El Yuma, dirigido por Benicio Del Toro, por dar un ejemplo. El corto es un buen debut como director, pero también es una buena muestra de cómo estos proyectos que se centran en lo local, o que deberían, parecen tirarle más a algo internacional al final con su diversa colección de directores y actores.

Es difícil decir si este enfoque es un acierto o un error. Tal vez la mejor manera de tener una imagen nítida de algo es alejarse y verla con ojos frescos. Tal vez no. Lo que sí logra cada uno de los cortos es poner a La Habana, y ciertos aspectos de esta ciudad, típicos, pero no muy conocidos, en el centro de la acción de cada colaboración.

El drama está presente en muchos de los cortos, pero se siente más lejano e irreal que las situaciones de comedia. La mayoría de los cortos no puede llegar a un nivel realista en situaciones más serias y el sabor general de la película es la de unas vacaciones guiadas. La calidad difiere de una pieza a otra, aún cuando existen muchos elementos recurrentes (al parecer todo el mundo tiene un chofer personal en La Habana y todas las mujeres se pasean con falda corta sin importar nada).

Otro punto alto de la antología es el corto de Eila Sulaiman, que parece tener más éxito en su historia debido a que asume de forma más natural su papel como alguien ajeno y no trata de dar esa visión interna, forzada en muchos momentos, que otras colaboraciones, como el viaje musical de Trapero o el triángulo amoroso de Julio Medem presionan por conseguir. Al final, la semana en La Habana parece durar más de lo necesario, los días que ofrecen un punto alto son pocos, los demás transcurren lentamente y sin ninguna novedad que valga la pena recordar.

Por Xavier R. Vera (@SoyXavito)

Vesth platicó con The Hollywood Reporter sobre los aspectos más controversiales de la trama: las escenas explícitas de sexo. De antemano y por palabras de Von Trier, sabíamos que se habían contratado actores porno para las secuencias más gráficas pero no habían detallado como serían usados.

Si recuerdan la apertura de Anticristo (Antichrist, 2009), se podía ver a William Defoe y a  Charlotte Gainsbourg iniciando un encuentro sexual, la cámara capturaba sus rostros y la parte superior de sus cuerpos, había un corte y en pantalla veíamos el coito en toda su expresión. Para de Nymphomaniac, el realizador danés buscará agregar a esa técnica el uso de efectos especiales.

Con un elenco compuesto por su musa Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard, Shia LaBeouf, Jamie Bell, Willem Dafoe, Connie Nielsen, Uma Thurman y Udo Kier, sonaba extraño que los histriones se involucrarán en sexo bastante gráfico. Y no será así. Von Trier planea usar efectos especiales para tomar a sus actores principales fingiendo tener sexo y, después, mediante la computadora fusionarlos con sus respectivos dobles de cuerpo, que sí tuvieron relaciones sexuales sobre el set.

Así la cosa, mientras Marvel y la mayoría de los estudios en el mundo gastan millones de dólares para crear mundos irreales y fantásticas escenas de acción con superhéroes, Lars von Trier usará las bondades de la tecnología para acercarnos más a la historia de esta mujer afectada por su adicción al sexo. Ya queremos ver la película, les tendremos más información próximamente.

Vía THR.

Al parecer las apuestas se harán efectivas porque la mayoría de los críticos han alabado las actuaciones de los protagonistas y el sólido manejo de dirección de Soderbergh, a pesar de que se trata de un producto para la televisión. Revisen las reacciones a continuación:

Todd McCarthy de THR aseguró: “Participando de la competencia en Cannes a pesar de haber sido hecha para HBO, donde debutará en los EU el 26 de mayo, la película tendrá su corrida comercial en algunos mercados extranjeros, incluyendo el Reino Unido y Francia. Tiene la apariencia de una película completa en todo aspecto, la única diferencia es que es mejor que la mayoría de las cosas que se pasan hoy en los cines.” La reseña completa aquí.

Ryland Aldrich de Twitch Film apuntó: ”…estas diversiones hacen a Behind the Candelabra una película generalmente agradable, aunque gasta demasiado tiempo en melodrama doméstico. Douglas y Damon habitan plenamente sus salvajes personajes, deslizándose cómodamente en los trajes brillantemente opulentos de Ellen Mirojnick. Diseño de producción, el cabello y el maquillaje son impecables. Pero incluso con todos los elementos técnicos de un nivel encima, no se puede negar que se trata de una película para televisión hasta la médula.” El texto entero acá.

Steve Pond de The Wrap escribió: “Michael Douglas alcanza un pico en su carrera con la magistral Behind the Candelabra de Steven Soderbergh… pero la película es buena porque es auténtica. Si fuera presentada como una gran broma, o una vulgar muestra del asesinato de Liberace, no sería efectiva, ni tan conmovedora como finalmente es.” La crítica íntegra aquí.

Brad Brevet de Rope of Silicon afirmó: “Behind the Candelabra dice mucho sobre la sociedad como de los dos protagonistas de la historia que es sorpresivamente oscura a ratos, así como es emocionalmente gratificante, entretenida y jocosa… Afortunadamente para HBO, ellos se han encontrado con un verdadero ganador y una película que se encontrará llevándose un par de premios de Cannes a casa.” El artículo completo acá.

Geoffrey Macnab de The Independent comentó: “Douglas está lejos de ser la elección obvia para Liberace pero él da una actuación maravillosa como el llamativo pianista que murió de una enfermedad relacionada al VIH en 1987. Douglas captura brillantemente el sentido del espectáculo de Liberace y sus escandalosas cualidades camp como el lado oscuro de su personaje sin convertirlo en una caricatura.” La crítica íntegra aquí.

Por lo que hemos podido ver hasta el momento, la producción y el realizador enfocaron la historia en base a efectos especiales, espectaculares secuencias de acción y el humor que ha caracterizado a Depp en sus proyectos desde hace más de una década. No luce impresionante, pero quizá Disney esté guardando sus mejores cartas a la espera de sorprender al público.

Completan el elenco Tom Wilkinson, William Fichtner, Barry Pepper, James Badge Dale, Ruth Wilson, y Helena Bonham Carter. Vean el video a continuación:

Sinopsis: The Lone Ranger es una emocionante aventura llena de acción y humor, en la cual el famoso héroe enmascarado vuelve a la vida a través de otros ojos. El indio guerrero y nativo americano, Toro –Tonto en inglés– (Depp) cuenta la desconocida historia que transformó a John Reid (Armie Hammer), un hombre de ley, en una leyenda de la justicia. Llevando a la audiencia en un tren llego de sorpresas y humor mientras nuestros improbables héroes deberán aprender a trabajar juntos y luchar contra la avaricia y corrupción.

Vía Collider.

El guión cuenta la historia de una familia adinerada que se ve en la necesidad de vender su casa de descanso en Italia –¿un relato de burgueses? No, cómo creen–, donde se mezcla ficción y algunos detalles de los parientes de la realizadora. Chequen el resumen de reacciones a continuación:

David Rooney de THR apuntó: “El generoso aplauso de Cannes en el estreno de la película puede ser haber sido en parte impulsado por el conocimiento de que esto era obviamente una exploración catártica de la historia familiar [de la directora]. Más allá de la burbuja de la Croisette, sin embargo, es difícil imaginar que muchas audiencias reciban cálidamente a estos chicos burgueses.” La crítica completa aquí.

Scott Foundas de Chicago Tribune escribió: “El tercer semi-autobiográfico largometraje de la multi-talentosa italo-francesa Valeria Bruni-Tedeschi otra vez sigue los retos personajes de sus hermosos personajes burgueses dentro y alrededor del mundo de las artes, tocando temas de moralidad y pánico a la mediana edad de la manera más refrescante, inteligente.” La reseña entera acá.

Jessica Kiang de The Playlist dijo: “Es dificil no leer cierto grado de autojustificación en la comedia francesa de Valeria Bruni-Tedeschi A Castle In Italy, así que no nos vamos a esforzar… tan bellamente firmada y ocasionalmente divertida como película, también es terriblemente burguesa. Por cada momento de comedia que aterriza o de drama que toca alguna fibra, hay diez de ¿por qué carajos debería importarme? o llórame un río tuviste que vender tu Brueghel [un castillo italiano].” La reseña completa aquí.

Tim Grierson de Screen Dialy afirmó: “…pero debido a que va y viene entre momentos de slapstick, melodrama y gentil introspección, A Castle In Italy tiene más en común con una mundana lectura de verano en playa, con Bruni-Tedeschi apilando los incidentes que mantienen a los miembros de la familia haciendo frente a una situación tras otra. Sin embargo, las tribulaciones de Louise son el foco…” El texto íntegro acá.

Tom Hiddleston, Tilda Swinton, Mia Wasikowska y Anton Yelchin acompañan al cineasta americano en su cruzada por darle dignidad a los chupa sangre. Les dejamos un mensaje de Jarmusch y unas imágenes del filme:

“Only Lovers Left Alive es una historia poco convencional entre una mujer y un hombre, Adam y Eve… Estos dos amantes son el arquetipo del forastero, bohemios clásicos, extremadamente inteligentes y sofisticados – todavía en posesión de sus instintos animales. Ellos han viajado por el mundo y experimentado historias memorables, siempre habitando en los márgenes de la sociedad. Y, como su propia historia de amor, su particular perspectiva del género humano abarca siglos – porque sucede que son vampiros.

Pero ésta no es la historia usual de vampiros. Ambientada en las distintivas ciudades de Detroit y Tangier, y teniendo lugar casi por entero en la noche, Adam  y Eve deben tener sangre humana para sobrevivir. Pero ahora viven en el siglo 21 donde morder cuellos de extraños será peligroso y retrograda – para sobrevivir, deben de estar seguros se que la sangre es pura y libre de enfermedades y contaminación. Y, casi como sombras, han aprendido que deben evitar la atención de las autoridades. Para nuestro filme, el vampiro es una resonante metáfora – una manera de enmarcar la profundas intenciones de la historia. Esta es una historia de amor, pero también la de dos excepcionales forasteros que, dadas sus circunstancias, tienen una visión basta de la historia de la humanidad, incluyendo sus deslumbrantes alcances y sus trágicas y brutales fallas. Adam y Eve son ellos mismos metáforas del presente de la vida humana – son frágiles y están en extinción, susceptibles de las fuerzas de la naturaleza, y del la miopía de aquellos en el poder.”

Sinopsis: Ambientada en contraste de la romántica desolación de Detroit y Tangier, un músico underground, profundamente deprimido por la dirección del acontecer humano, se reúne con su resistente y enigmática amante. Su historia de amor ha durado varios siglos al menos, pero su idilico romance es pronto interrumpido por su salvaje e incontrolable joven hermana. ¿Podrán estos listos pero frágiles forasteros continuar sobreviviendo al tiempo que el mundo moderno colapsa alrededor de ellos?

Vía The Playlist.

La jaula de oro retrata el viaje que hacen Juan (Brandon López) y Chauk (Rodolfo Domínguez) al salir de sus lugares de origen, Guatemala y Chiapas respectivamente, para ir en busca de mejores oportunidades de vida en Estados Unidos.

“Esta historia comenzó en el 2003, estaba haciendo un documental en Mazatlán… y empecé un proceso de recopilación de entrevistas y testimonios con la idea de un día hacer una película que fuera una visión de documental y ficción basada en la realidad que luego diera voz a personas reales, más o menos recuperé unos 600 testimonios y a partir de ahí se construyó la dramática del guión, todo lo que se ve en la película son eventos que alguien me contó, o que a nosotros nos pasó o que los actores trajeron como parte de su realidad”, comenta Diego Quemada-Diez.

La película está protagonizada por actores no profesionales que fueron escogidos tras un largo proceso de casting en México y Guatemala, además que está filmada en locaciones, entornos y ambientes reales con migrantes que realizaban el viaje a través del país.

“Nosotros somos como un reflejo para mucha gente que busca lo mejor, tal vez en el lugar en donde están sufren porque a veces no tienen dinero o algo y buscan un lugar donde tal vez ellos piensan que van a ir a encontrar lo que ellos necesitan para poder ayudar a toda su familia”,  explica el protagonista Brandon López.

La intención de La jaula de oro es tratar de mandar un mensaje social y mostrar el brutal problema que se tiene en México con el tema migratorio pero a través de los ojos de los menores de edad que recorren el largo trayecto hacia la frontera.

“Todos esos testimonios, de alguna manera uno siente una responsabilidad para contar esas historias que a mí me contaron; veo mi trabajo como un canal de historias y de situaciones contadas, lo importante es que  ese mensaje se transmita, y hay que darle una estructura dramática y hay que crear un impacto emocional lo mayor posible”, explica Quemada-Diez.

En los últimos años México ha tenido una presencia importante en la categoría de Una Cierta Mirada con cuatro nominaciones (Crónicas de Sebastián Cordero en 2004; Sangre y Los Bastardos de Amat Escalante en 2005 y 2008; Miss Bala de Gerardo Naranjo, 2011) y con dos ganadoras (El Violín de Francisco Vargas en 2006 y Después de Lucía de Michel Franco en 2012).

Por Luis Arredondo

La historia es sencilla porque básicamente no la hay. El Coleccionista, un temible asesino serial, anda suelto. A lo largo de su “carrera” ha eliminado más personas que Luis Miguel vendido discos de boleros.

Nuestra protagonista es Elena (Emma Fitzpatrick), quien decide darse una escapada con sus amigos a un antro solo para terminar siendo secuestrada por el macabro villano. Al mismo tiempo que Elena desaparece, Arkin (Josh Stewart) logra escapar del morboso juego del asesino y es rescatado por la policía. Un grupo paramilitar contratado por el padre de Elena, convence a Arkin de guiarlos hasta la guarida del asesino con funestas consecuencias para todos.

Juegos de muerte es la secuela de The Collector (2009), de ahí que el director, Marcus Dunstan, y su coguionista, Patrick Melton, decidan prescindir de los cartabones clásicos del desarrollo dramático. Saben que el público objetivo de la película vio la primera parte -o la va a buscar después de esto- y pasan directo a la sanguinolenta acción.

The Collector y su segunda parte se insertan en la corriente del cine de horror llamada torture porn, en la que un asesino o varios someten a un grupo de personas a torturas inimaginables que se muestran de la manera más gráfica en pantalla.

El sub-género tuvo un pequeño boom en Estados Unidos hace algunos años gracias a películas como Saw (2004) u Hostel (2005), que generaron una serie de imitaciones, incluso podríamos ir más atrás y marcar como referencia obligada a Guinea Pig de 1985, que comparte con Juegos de muerte la falta de desarrollo en los personajes.

Así, Dunstan y Melton buscan presentarse como un par de retorcidos que han ideado escenas de tortura impactantes. Objetivo que probablemente se cumpla en aquellos espectadores que en su vida han visto una película gore o un torture porn. Comparar su trabajo con cintas como La frontera del miedo (Frontière, 2007) de Xavier Gens, o Martirés (Martyrs, 2008) de Pascal Laugier, hace notar al director y a su guionista como un par de ingenuos y predecibles.

Para ellos el horror debe de ser algo burdo y obvio, no hay intención de crear una atmósfera más allá de brindar una estética parecida a un videoclip de Marilyn Manson o de Nine Inch Nails.

Claro que en ningún momento buscan presentarse como algo más que mucho gore y litros de sangre en pantalla, pero una vez que los instintos más primarios quedan satisfechos se echa en falta un contexto más amplio para los personajes o al menos el ingenio para mostrar de forma novedosa las mismas mutilaciones que hemos visto anteriormente.

En ese mix de obviedades, podemos insertar al villano. El Coleccionista (Randall Archer) tiene la imagen necesaria para fijarse en la retina, lo que en la primera parte lograba de manera efectiva. Su búsqueda infatigable por infringir dolor es casi nihilista, nada más importa que sus intrincados juegos de tortura. No hay matices, no hay profundidad, sólo el deseo de causar daño. Cuando el contexto en que el villano se mueve es rico en detalles, su simplonería se perdona o juega en favor del argumento, no es el caso.

Quizá Juegos de muerte deje satisfecho a los ultras del gore, sin embargo es este tipo de productos los que han conducido al cine de terror actual al callejón sin salida en que se encuentra: donde no asusta ni impacta por lo predecible y uniforme de su puesta en escena. Eso era lo que motivaba a Roger Ebert a decir que este tipo de películas sólo son vistas por gente enferma… ¿quién podrá demostrar que hay algo más que morbo?

Por Rafael Paz (@pazespa)